【Blender 5.1】アニメーションの基本：2Dアニメの考え方メモ

フレームレートとコマ打ちの関係

まず動画は1秒間に何枚の画像を表示するかで動いて見えています。これをフレームレート（fps）と呼びます。

例えば一般的なアニメや映像では24fpsが基準になっており、1秒間に24枚の静止画が連続して表示されています。（Blenderでもデフォルトのフレームレートは24fpsになっています。）

しかし実際のアニメ制作では、この24枚すべてを毎回新しい絵にするわけではありません。ここで出てくるのが「コマ打ち（撮影コマ数）」という考え方です。

コマ打ちとは何か

コマ打ちとは、何フレームごとに新しい絵を使うかというルールです。※（）内は英語圏での言い方です。

• 1コマ打ち（Ones）：毎フレーム絵を変える
• 2コマ打ち（Twos）：1枚の絵を2フレーム表示
• 3コマ打ち（Threes）：1枚の絵を3フレーム表示

右動画は同じ動きを１コマ打ちから３コマ打ちにしています。動きがどのように見えるか見てみてください。

１コマ打ちはディズニーアニメでよくみられるような、ぬるぬるしたスムーズな動き。

２コマ、３コマになるにつれて少しカタつくようになりますが、それでも２コマくらいなら充分きちんと動いてるように見えます。

海外アニメは、動きそのものを魅せる文化です。
たとえばカートゥーンでは、キャラクターが大きく変形したり、激しく動き回ったりすること自体が面白さになります。そのため、１〜２コマ打ちで滑らかに動かすことが多いです。

一方、日本アニメは絵や決めポーズを魅せる傾向が強いと感じます。ずっと動かし続けるというより、動くところと止めるところのメリハリを重視し、印象的なカットに作画コストを集中させる設計が多いです。

最近の海外作品では、こうした日本アニメ的なメリハリのある演出を取り入れた作品も増えていて、２DFXなどにもその影響を感じます。

アニメーションの１２の原則という、海外アニメーターから広く支持されている動画があります。

主にカートゥーンなどの海外２Dアニメ視点ですが、日本アニメ、３DCGなどにも応用できるアニメーションについての技法・考え方をまとめている動画でオススメです。

速度、物質の特性、勢いなどを強調するために物質が潰れたり伸びたりすること。

具体例：ボールのバウンス
地面にぶつかったときに横につぶれて、その直前と直後に縦に伸びているような演出

• 物質の特性…潰れや伸ばしの変化量が大きいほどその物質は柔らかい
• 勢い・速度…潰れや伸ばしの変化量が大きいほどキャラクターの動きに勢いがつき、印象深くなります。

注意するポイント

• 体積を一定に保つこと…上下に潰れて縦の体積が減ったなら、横に伸ばして、元の体積が増減しないようにします。
• 日本アニメではあまりやらない…ギャグシーンでもない限り、日本アニメではあまり使われません。特にキャラクターの造形が変わってしまうことが嫌われる傾向にあります。

現実でも人間はそのように動くことが多くリアルに見えるし、次に何かが起こることを見る人に予期させることができるため、アニメーションがわかりやすくなります。

• 先行動作は逆方向へ
  • 大体はジャンプをする前にかがむ、等、メインの動きの逆方向の動きを予期動作とすることが多いです。エネルギーをためて、放出するようなイメージ。
• 演出としての先行動作
  • 視線を動かしてから首を動かすなど、生物として自然な動きでもありますが、次にどこを見れば良いか観客にわかりやすいよう演出としてなされることもあります
  • 先行動作がないと、その動きが見逃される場合もあります。今から何かが行われることを視聴者に気づかせるため行われることもあります。

• メインの動きはなるべく画面中央で行う
  • 見せたい動きは画面の中央か画面の１/３のライン（大きさによってはその範囲）で行う
  • 画面の端っこのほうで何かやられても見ている人は気づかない可能性があります、意味のある動きだと気づかれないことも
  • Blenderは、カメラのオブジェクトデータプロパティ > Viewport Display > Composition Guidesにガイド線があります。
• カメラでの映し方
  • 遠景で映す…アクションシーンなど、身体全体で演技をしているとき、広い範囲を映す
  • 近景で映す…表情や細部を映したいとき
• 画面の間
  • 右を向いてるなら右に空きスペースを作るなど
• 一方の動作が完了するまで他の動作が重ならないようにする。
  • 誰かが呼びかけるような動作をしたあとで、相手は答えるようにする。動作を途中でさえぎったり、二人同時に動くとどこを見るべきか、何が起こっているかわかりにくくなる。
  • 例外：ミルキー☆サブウェイなどは逆にリアルな応答感を出すために人の動作やしゃべりがよく重なっていました。
• 情報を理解させる必要があるときは止める
  • かなり速い動きのときに、視聴者に起こっていることを理解してほしいときは、一時停止をする必要があるときがあります。
  • 例：何かを素早く出す動きで、何かを視認してほしいときは見せるために動きを止める
  • 画面にテキストが出ている場合は３回音読できるくらい停止させる。
• 舞台演出、背景などの設定
  • 例えば貧しい家を描きたかったら、普通の家具や高級なものは置かない、など、ノイズになるものを置かない。目で見たらわかりやすくしておくのは大事です。
  • カートゥーンだと過剰な表現をされることもありますが、日本アニメではもう少しリアルな設定が好まれる気がします。

• Kes（キーポーズ）
  • 基本的なポーズ
  • 動きの中で一番重要なポーズ
  • ストーリーのためのポーズ（動きの意味、構図・感情・状態を決める、漫画で描かれるようなポーズ）
• Keys Extremes（エクストリーム）
  • 動きの中で最大値・最小値のポーズ（いわば振り切れた状態）
  • キーポーズの中でも特に強いポーズ
• Breakdown（ブレイクダウン）
  • キーポーズ同士をつなぐ方向・軌道・中間の意味を決めるポーズ
  • 動きの軌道、タイミングを決める
• In-between（インビトウィーン）
  • キーポーズやブレイクダウンの間を埋める純粋な中割・動きの補間

日本でいうと、

• 原画…キーポーズ、エクストリーム、ブレイクダウン
• 動画…インビトウィーン（ブレイクダウンを動画にやらせるところもある感じ）

ちなみに完成したアニメは右の動画で見れます。ポーズを順番通りに描いただけでアニメができてきてすごい。

以下の三つはどれも同じものの違う側面を説明しています。

• Follow Through（フォロースルー）
  • 身体が動いたあと、髪の毛や動物なら耳などが慣性のまま動き続ける状態
• Overlapping Action（オーバーラップ）
  • 本体の動作タイミングと他の部分の動作タイミングとのズレ
• Drag
  • 体の各部分の動きを本体の動きに対して遅らせるテクニック

腕なども肩→肘→手などのように遅れて動きます。

• リニア（一定の速度）…機械的でロボットのような動きになります。
• イーズインとイーズアウト…生き物やエネルギーの充填、放出が必要な物質、自然の現象は、大体動きはじめにゆっくり始まり、中間で普通の速さで動けるようになり、終わりでまた遅くなって動作を終了します。

中割（中間の絵を作るとき）の見方

移動する人や何かの動作があった場合、動画を割ったときに絵の間隔がせまいとゆっくりになり、広いと速くなります。

つまり、生命力のあるアニメを作る場合、動きはじめや終わりの絵の間隔はせまく、中間の間隔は広くするなど、緩急をつけると効果的ということです。

ボールの動きのアニメを作るときに、横にバウンスしながら動くボールの中割をするとき、キーポーズの中間の位置の絵を描いても直線的な絵になりうまくいきません。その物質の特性にもよりますが、重力が働くものだったり、生き物の動きなら、中間の絵の軌道を弧を描くようにする必要があります。

アニメ的演出のように、あり得ないだろと思うほどその動きや動作を大げさにし、コミカルに表現することができます。（中に１コマ２コマあり得ない絵や崩した絵を入れても速い動作ならあまり気にならない）

立体感を描く

まずはきちんと立体的なものをかけること、パースがとれること、どんな角度からでも描けること（地味にこれが一番難しいんじゃないかと思うんですが…）

わかりにくい場合はシンプルな立体物（球・立方体など）で構成されたものとして考えること、表面にグリッドのような補助線を引くこと

重なりを描く

重なっている部分を作り、例えば服の袖なら、その切り口を立体的に描いてください。
奥まっている部分と出ている部分を明確にすることができます。

この重なり部分をきちんと描いて最低限の描写で立体感を出すのはアラレちゃんやドラゴンボールの鳥山明がめちゃくちゃ得意ですね。

形の非対称性

形を左右対称にしないこと。

有機物なら、腕を同じ長さの２本の直線で描くのではなく、一本を曲線にする、２本を曲線にしてずらして描く、など。
エフェクトなどでも炎や水などの形を左右対称にするのは避ける

ポーズをとるとき、対になった手足に同じ動きをさせないこと。片側に傾けたり、片手を腰にあてたりする